Después de casi 15 años de desarrollo llega la continuación del Duke Nukem 3D. ¿El rey ha vuelto? No, el rey murió hace años y Duke Nukem Forever es un juego hecho por compromiso.

Primera escena: Duke meando en el baño en Duke Nukem 3D. Es 1996 y en este juego puedes hacer de todo: ver tetas pixeladas, entrar a un cine porno y dejar agonizando a los malos. Después de Doom, donde no podías hacer nada más que matar, DN3D fue la confirmación de que los videojuegos podían ser mucho más.

Segunda escena: Duke meando en el baño en Duke Nukem Forever.  Es la primera imagen del juego y puedes mear un flujo incesante de orina apretando el botón de disparo. Se repiten las tetas, el humor y los enemigos. Pero más que un guiño, es algo forzado. Es el 2011 y en 15 años se ha redefinido varias veces lo que puede hacer un videojuego. Mostrar un par de tetas ya no es algo provocador. Si Duke Nukem 3D fue algo innovador, Duke Nukem Forever parece un intento desesperado por agradar.

La historia a esta altura debería ser conocida así que la nombraré muy brevemente: la primera vez que 3D Realms (la desarrolladora del juego)  anunció DNF fue el año 1997. Los años pasaban y nunca fue lanzando, pero cada cierto tiempo, tal cual un papá que debe la pensión alimenticia, prometía el lanzamiento para un futuro cercano. Hasta mostraron trailers, pero ya hacia 2006 nadie le creía. Cuento corto: la compañía fue comprada, disuelta, vuelta a formar y Gearbox Software fue quienes finalmente terminaron el juego.

Una de las tantas parodias. Al menos parece una parodia.

La primera impresión de DNF es que Duke ha sido convertido en una lavadora. La movilidad del personaje es tan fluída y liviana como un refrigerador pequeño. Después resaltan los gráficos. Sería un error pedir gráficos impecables porque eso no es la base de un buen juego. Pero sí que no sean feos. Las texturas en DNF parecen de baja resolución (jugando con todo al máximo) y destaca principalmente en los enemigos, que en su encarnación 2011 son un menjunje de polígonos y no tienen nada de la simplicidad de los originales (excepto el Octobrain que sigue pareciendo Octobrain).

Lo que se esperaba de Duke Nukem Forever es que fuese una vuelta a los juegos old school. Pero incorpora lo peor de los juegos nuevos, como el sistema de Ego, que es la barra de vida de Duke. Al realizar ciertas acciones, como derrotar jefes o recibir privados en el stripclub, sube la barra. Pero funciona como el sistema de los Call Of Duty, cuando recibes daño la barra baja y la pantalla se tiñe de rojo. Al cubrirte, recuperas la salud y la barra de Ego. ¿Cubrirte de las balas? ¡Eso no es lo que el Duke de DN3D hubiese hecho! Según la cosmovisión de Duke sólo un trolazo se escondería para no recibir daño. La salud se cura con medkits, no escondiéndose.

Respirar bajo el agua por medio de burbujas es una idea patentada por Sonic

El otro problema de la barra de Ego es que te obliga a hacer cosas que antes hubieses hecho por gusto. Era divertido explorar los niveles de DN3D y encontrar cosas que escondían premios. Ahora todo con lo que puedes interactuar está señalizado con el sútil “apreta el botón de acción”.

Otra estupidez: sólo puedes llevar dos armas. No es tan malo porque casi siempre todas las armas están repartidas por el nivel, pero si es por eso, mejor hubieran hecho posible llevar todo el arsenal desde un principio.

Lo realmente penca de DNF es que se pone entretenido recién pasado una hora de juego. La historia da un poco lo mismo, pero en resumen, Duke se volvió una celebridad desde DN3D y ahora descansa en su casino en Las Vegas. Los aliens vuelven y se raptan a nuestras mujeres y sólo Duke puede detenerlos. Bien, la primera hora la pasas haciendo tonteras necesarias para el desarrollo de la trama como ir a un talkshow y recorrer el casino infestado de aliens y las calles de una destrozada Las Vegas. El diseño de niveles es realmente penca. No hay otro adjetivo. Son laberintos lineales al aire libre para que no parezca tan sacado de Wolfenstein 3D.  Aburriniveles. Recién se pone entretenido cuando entras al Duke Dome.

"Are you talking to me? Porque estoy acá, maldito general mal hecho"

Pasada una hora, el juego muestra su potencial. Hay niveles de verdad muy buenos como el Duke Burguer, donde eres miniaturizado y debes rescatar una empleada de la cocina del local de comida rápida. Las peleas con los jefes finales también son entretenidas y ciertamente tienen un dejo a old school. Mención aparte merece la ida de Duke a un stripclub donde puedes hacer de todo.

Una vez que terminas el juego se desbloquean extras como un modo con trucos, galerías y cosas así. Entre ellas hay una línea del tiempo que muestra el desarrollo del juego. Y ahí queda claro, ahí está la explicación de este juego mutante. Incluyen  los trailers que mostraron los años 1999 y 2001 y tienen las mismas cosas que DNF el 2011: el nivel en Las Vegas, una pelea en la carretera, manejar vehículos y una rudimentaria barra de Ego. Duke Nukem Forever fue realizado sólo para que fuera realizado, para materializar esa eterna promesa. Todas las ideas de niveles y mecánica parecen viejas… ¡porque son viejas! Este juego fue concebido el ’99 y desde entonces sólo hubo cambios de motor gráfico, pero no del proyecto en sí.

Bueno, salimos del empacho, DNF por fin es una realidad. No es lo que queríamos, no le hace justicia al original y si no fuera por el “elemento Duke” sería un shooter del montón.

Resumen

Lo bueno: El humor de Duke, algunos niveles están la raja, las parodias a otros videojuegos y las minas virtuales.

Lo malo: Un diseño de niveles en su mayoría rasca, llevar sólo dos armas, la barra de Ego, el motor gráfico mal optimizado, la cantidad de bugs, los NPC que nunca te miran, que este no es el juego que nos habían prometido.

2 de 5 tentáculos.

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Valve lanzó la continuación del que alguna vez fuera considerado un juego “menor” y “bonus”. Portal 2 no es sólo un juegazo, sino que ya se convirtió en uno de los juegos más populares de esta era. ¿Pero es perfecto? Y más importante todavía: ¿Cuándo cresta lanzarán el Episodio 3 del Half Life 2?

Portal 1 fue un juego regalado. Un Bonus. Venía de yapa. No es chiste, venía como extra en The Orange Box, una recopilación de Valve que por primera vez llevaba el Half Life 2  Episodio 2 (y otros juegos) a consolas.  Portal era un juego atípico. Se jugaba en primera persona, pero no disparabas ninguna bala. Pero sí tenías una pistola, una capaz de crear portales en las paredes.  Fue un éxito. Además de la originildad y humor, los factores claves fueron el editor de niveles disponible para PC, pero principalmente, que era un juego más afín a los gamers de consolas, que se preocupan de tener un juego simple que de tener que hacer headshots.

Cuatro años pasaron para que llegara Portal 2. Y vino acompañado de un hype inusitado. Se supone que era un juego simple, casi indie. Bueno, ahora es un juego popular y masivo. Y el cambio trae sólo cosas positivas.

Un poco de pintura y vuelve a verse como las cámaras del Portal 1

La historia te sitúa de nuevo como Chell en los laboratorios de Aperture. Ha pasado una chorrera de años desde el primer Portal y sigues atrapada en las enormes instalaciones. Has sido puesta en animación suspendida, pero te despierta un núcleo de personalidad. Es un pequeño robot circular. Su nombre es Wheatley, habla con acento inglés y es tan estúpido como adorable. Tratan de escapar de los laboratorios, pero sin querer, despiertan a GLaDOS otra vez, la Inteligencia Artificial que fue la villana en la primera entrega.  GLaDOS pone a Chell a resolver puzzles otra vez, pero con la ayuda de Wheatley logran derrotar otra vez a GLaDOS, pero… las cosas resultan mal.

No adelantaré lo que pasa en la historia, pero a partir de acá, vendrán sendos spoilers.

Si Valve es famoso por algo, es por hacer juegos con historias asombrosas. No sólo la idea, sino que en los guiones, en la narrativa, en los diálogos y la dirección.  Y todo eso reluce en Portal 2. La historia logra dar un buen sustento para mostrar las antiguas instalaciones de Aperture, así como también al esquizofrénico y profundamente gringo fundador de Aperture, Cave Johnson. Todos los complejos ambientados en los ’50 y ’70 son una joya visual.

En el apartado gráfico, Source demuestra que a pesar de tener ya 7 años, es uno de los mejores motores gráficos y que no tiene nada que envidiarle a motores más nuevos que parece que la única gracia que tienen es un HDR dinámico más “bonito”. Eso sí, los años se le notan en cosas pequeñas, como la gran cantidad de veces que tiene que cargar. De todas formas, logra renderear escenarios enormes llenos de detalles.

Pasa hasta en los mejores computadores

Lo mejor que tiene Portal 2 es su humor. Ver a GLaDOS en el cuerpo de una papa fue un detalle… sencillamente majestuoso. Si hubiese algún premio Oscar a las tallas, sería el ganador. Los insultos que tira hacia tu personaje son geniales. Aunque haya sido la villana en la primera entrega, logras generar buena empatía con ella. Supongo que lo mejor son los personajes: no son ni tan malos, ni tan torpes (aunque hayan sido programado especifícamente con esos fines), lo que los hace profundos y multidimensionales.

Wheatley es el principal vehículo para las tallas en el juego. Muchas veces su sentido del humor recuerda mucho a Ricky Gervais, especialmente en The Office UK. De hecho, la voz fue provista por Stephen Merchant, comediante british y colaborador habitual de Gervais. Esto no es malo, para nada, pero Gervais no es el único tipo gracioso del planeta y ahora parece un poco sobreexplotado. Igual, pico, es un detalle.

Hay momentos en el juego que recuerdan un poco el primer Half Life o el Opposing Force. Las enormes maquinarias de Aperture Science necesariamente se parecen un poco a las de Black Mesa. Es un buen guiño.

Diversión láser 3000

Estoy tratando con mucho esfuerzo de encontrarle algo malo a Portal 2. Creo que no tiene nada. Quizás el final es un poco… soso <spoiler máximo>¿dispararle a la luna? ¿En serio? ¿No se demoraría al menos unos segundos en llegar el portal? </spoiler máximo> pero no opaca al total. Es un juego casi perfecto. Hace lo que todos los videojuegos deberían hacer: preocuparse de la narrativa. En Valve tratan a los videojuegos como un soporte más para contar buenas historias. Con sus particularidades, como todo medio, pero un soporte válido para hacer narrativa. Al final, eso hace que los personajes te importen. Y si eso está acompañado de una historia a toda raja, configuran un juegazo.

Pistas sobre el Episodio 3 del Half Life 2

4 años han pasado y lo único que muestran es un mísero flotador

Valve sabe que tiene de las pelotas a millones de seguidores del Half Life 2, por eso deslizó sutiles y casi inexistentes pistas sobre la historia de Gordon Freeman en Portal 2. La primera es el Borealis, el rompehielos que mencionan al final del Episodio 2. Según la historia, el barco contiene tecnología secreta y muy poderosa de Aperture Science, y desapareció junto con el muelle de las instalaciones de Aperture. En Portal 2 puedes ver ese muelle y un salvavidas del Borealis. No es mucho.

Otra pista es que el nombre “Alix” está escrito en una disertación escolar abandonada en el complejo. ¿Podría ser el de una pequeña Alyx Vance que no sabía cómo escribir su nombre? ¿Eli Vance, el morganfreeman del Half Life 2 podría haber trabajado en Aperture?

Según The Final Hour of Portal 2, una puta aplicación para iPad y que no se puede acceder de otra forma, escrita por Geoff Keighley, Wheatly en algún punto diría “Vino un hombre con un maletín preguntando por ti”, en alusión a G Man. La escena fue eliminada y Erik Wolpaw, escritor en jefe del juego, así lo explica: “Si hubieramos jugado más con el misterio, los jugadores simplemente dirían ‘¡Ya entréguenos Half-Life 3, bastardos!’”. (¿Por qué dice “Half-Life 3 en vez de “Episodio 3″?)

Resumen

Lo Bueno: Una historia a toda raja, repleta de humor, gráficas espectaculares, jugabilidad creativa y nuevos elementos que lo separan del primero.

Lo Malo: Un poco corto y por sobre todo, no es el Half Life 2 Episodio 3.

¡5 de 5 tentáculos!

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Explosiones, acción y un guión que parece hecho por Michael Bay conforman uno de los mejores juegos de la temporada. Mucha sangre, poca lógica parece ser la consigna de este juegazo de los desarrolladores alemanes Crytek. Esa referencia a Michael Bay no fue un cumplido.

Los videojuegos deberían ser una serie de gráficas espectaculares con una jugabilidad apropiada. ¿No es así como piensa la mayoría? Sí, es algo más o menos así. Pero los verdaderos amantes de los videojuegos, esos que se quedan meses o hasta toda una vida pensando en los protagonistas de los juegos, saben que es más que eso. Se necesita de un alma, si se quiere ser cursi, o narrativa apropiada, si se quiere hablar correctamente. Y eso es lo que le falta a Crysis 2. Pero vamos por partes.

"Hola. Soy una excusa para hacer explotar cosas"

Para los que no jugaron Crysis 1, acá un resumen: eres parte de un grupo de élite del ejército de Estados Unidos y recibes la información de que “algo” fue encontrado en unas islas cerca de Corea del Norte. Vas allá con tu escuadrón, casi todos mueren misteriosamente, te enfrentas a los malos norcoreanos, lo que encontraron eran aliegenas preparando una invasión, bla bla bla, los derrotas. Ah sí, y tienes un traje espectacular que es capaz de hacerte invisible, saltar muy alto, super fuerza, ser una armadura, etc.

En esta segunda parte estás en la ciudad de Nueva York, la que fue afectada por un virus extraterrestre. Sus habitantes se transforman en zombies pasivos así que no te atacan. Yey. Pero el ejército te dispara apenas te ve, así que bu.  Un extraño te habla a través de la radio; es un cientifico que trabajó con el primer ocupante del traje y necesita juntarse contigo. Así que atraviesas la ciudad destruida, te escabulles en acuaductos, peleas sobre tejados, manejas sobre carreteras destrozadas… un momento, ¡eso es el Half Life 2!

Una pequeña "inspiración"

Es evidente que Crysis 2 “se inspira” en el mejor FPS de toda la historia de la humanidad y el universo mundial galáctico. Hay varios detalles, como que tienes que destruir “un silo” o “una torre” extraterrestre que se ha ubicado en medio la ciudad, muy a la onda de la Torre en Ciudad 17 y pasadas algunas etapas comandas un grupo armado. No es algo totalmente obvio, pero sí evidente. Eso sí, la historia de Crysis 2 es básicamente, una basura. Diálogos más llenos de clichés que un Resident Evil afloran cada vez que algún NPC habla. Lo de Crysis 2 son explosiones y hermosos gráficos, muy a lo Michael Bay.

Michaelbayexplosions

Lo más importante de cualquier videojuego es su narrativa, es lo que te hace amar el juego y sentir empatía con los personajes. Eso es lo que hace que se llene de avatares y wallpapers de personajes como Kratos, Gordon Freeman, Mario, Sonic, etcetera. Alcatraz, el protagonista de este juego, no da ni para una esquela. Toda la historia de Crysis 2 es una excusa muy mala -a veces ilógica- para poner explosiones.

Ahora, ¿es eso necesariamente tan malo? Sí, pero se le puede perdonar. La gráfica es tan, pero tan buena, que podrían haber puesto a Shia Lebouf en medio del juego y no hubiese importado tanto. Tanto. Las texturas son increíbles y los efectos de luces son inmejorables. Además, la optimización es genial, con una modesta Ati 4670 y un Core 2 Duo a 3,5 GHz corre en gráficos medios a 1440×990 px. Nada de mal. Todo esto se logra al CryEngine 3, el motor gráfico de Crytek que se encargan de mencionarlo en el inicio del juego y en algunas paletas publicitarias de la ciudad. Se nota que son modestos.

Nada como pegarle un combo en el hocico a tus oponentes

Una de las gracias del motor gráfico es que puede generar escenarios enormes, igual que en la primera entrega. Eso asegura nulos tiempos de carga y la sensación de jugar en un pedazo de ciudad. Lo malo es que hay muchos detalles que simplemente no importan. Por ejemplo, en un episodio en que tienes que ir por una carretera destruida, abajo de ésta también hay suelo y puedes caminar por ahí, pero no sirve de nada. Además, no hay recompensas por tomar caminos alternativos, y con ningún incentivo para explorar toda el área, simplemente es inútil que el escenario sea tan grande.

A pesar de estar ambientado en el futuro, las armas son bastante convencionales, exceptuando un par. Hubiera sido muy bueno que Crytek hubiera sido más imaginativo, pero no es un estudio que destaca por ser muy creativos.

Al menos esta vez los enemigos no son comunistas... aunque los aliens tienen cara de DC

Una de las mejores cosas del juego es la libertad que tienes para afrontar situaciones. Puedes ir stealth y matar a todos piolamente, poner la armadura al máximo y hacerte el tanque, o ir corriendo e ir al choque. Lo penca es que el traje te habla a cada rato, y muy burdamente te avisa que hay “opciones tácticas”, cuando debería ser más intuitivo.

Crysis 2 es de las mejores opciones que hay para gastar tu plata en videojuegos. A veces se siente un poco “consolero” porque el puntero está muy asistido, pero son detalles. También tiene multiplayer, pero para eso hay que, este… ejem, pagar.

Veredicto: Tres de cinco tentáculos. Los gráficos espectaculares compensan una historia decadentemente pésima.

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Finalmente terminamos de sacarle el jugo al nuevo disco de Radiohead y el tribunal Brontobeats tiene su veredicto final. Revisa todos nuestros cahuines y pelambres después del salto.

Empecemos por decir algo que es casi de Perogrullo: vamos a hablar de Radiohead, o sea, hay un cierto grado de calidad asegurada siempre. Probablemente una canción basura de ellos siga siendo mucho mejor que casi toda la oferta musical del momento. Eso está más que claro.

Dicho esto, quisiera partir por una pequeña introducción. A mi parecer, a medida que va pasando el tiempo, uno va cambiando su perspectiva al respecto de lo que aprecia. Yo, por ejemplo, ya no me siento interesado en el debate de “los medios” vs “los fondos”. Hoy en día, sobre todo al hablar del arte en general, me siento inclinado a pensar en las cosas como si tuvieran algo así como su vida propia, su propio sustento, defensa, discurso y lenguaje.

Visto así, las cosas bonitas o feas, por sí mismas, son igual de superficiales. Su importancia en la obra en cuestión va a depender del diálogo que genera en el mundo interno de ella.

En este disco (así como en los dos anteriores de la banda, en mayor o menor medida), sucede algo que me resulta muy común al mundo de la música alternativa en el mundo de hoy: hay cosas que sencillamente no entiendo. No porque sean muy complejas, sino que simplemente porque no les encuentro ningún sentido. No les veo un fin, un sentido, ni siquiera un sinsentido. Cosas que simplemente parecen antojadizas. Esto me pasa al escuchar arreglos, inclusiones y decoraciones por el simple hecho de ser bellas o raras o semi interesantes. En el caso que nos compete ahora, canciones como “Codex” o “Give Up The Ghost” son el mejor ejemplo: son bonitas y muy simples (lo cual no tiene absolutamente nada de malo, todo lo contrario), pero están arregladas con tanto esfuerzo para darles un toque de complejidad, desde mi punto de vista, artificialmente, que termina siendo algo que me desorienta por completo. Es como cuando uno ve una película en la que el director elige filmar en blanco y negro simplemente porque sí, porque lo quería, porque le pareció simpático, pero que no tiene sin ningún sustento aparente en el grueso de la obra. Cosas que intentan aportar, pero terminan restando.

En este disco hay muchos paisajes hermosos e interesantes. En algunos momentos, como todo trabajo de Radiohead, parece el maravilloso trabajo de un artesano obsesivo. Es el sello de la banda. Pero siempre llega un momento en el que vienen las dudas sobre la dirección de todo el asunto. Todas las dudas apuntan al intento de decorar lo que es demasiado liviano por sí sólo. O, lo que es peor, sobre-ornamentar algo bueno a tal punto, que pierda su potencia. Esa es al menos, mi sospecha (sin querer caer en un concepto errado de lo barroco -que no tiene nunca por qué ser algo peyorativo- podríamos citar una acepción que dijera J.L. Borges, “es barroca la etapa final de todo arte, cuando este exhibe y dilapida sus medios”. En el caso de Borges, ese suicidio es voluntario. En el caso de The King of Limbs, es ese cuadro desafortunado, nada más).

Una de las mejores canciones, que se podrían escapar un poco de todo esto (aunque quizá no tanto de lo que vamos a tratar después), es la que abre el disco, “Bloom”. En ella, a mi juicio, se encuentra el momento de mayor intensidad del disco.

El otro elemento importante que vale la pena mencionar y que agudiza el problema anterior, es el problema de la dificultad de inmersión al escuchar el disco relativo a la voz de Thom Yorke y el papel de los demás instrumentos. Me explico:

Con el tiempo y la exposición, la voz de Thom Yorke se ha vuelto un objeto muy particular e identificable. Es un sello inconfundible, casi una marca. Esto contrae un problema para Radiohead, debido al tipo de trabajo que realiza. Si fuese una banda de canciones normales, quizá no pasaría nada, pero como son una banda que intenta recrear un universo sonoro distinto en cada canción, la voz de Thom Yorke termina siendo un objeto que siempre termina con cualquier fantasía y te recuerda que estas escuchando una canción de Radiohead.

Yo no creo que esto pase por el timbre característico del cantante. Quizá podría cambiar un poco sus costumbres o muletillas musicales (suena a lugares comunes muchas veces, como en el estribillo de “Little By Little” o “Morning Mr Magpie”), pero la verdad, no creo que pase por eso el problema. Lo que creo en realidad, es que la banda hace uso y abuso de este aspecto, y en vez de tener algo en contra de ello, lo explota. ¿qué otra cosa se podría pensar, además, si vemos a Thom Yorke bailando en el video de “Lotus Flower” cómo único protagonista, y en una canción en la que todo parece estar hecho en función de él?

Kid A, a mi gusto, el mejor trabajo de Radiohead, fue el ejemplo de lo contrario a esta actitud extraña. En él, parece que uno escucha a cinco servidores que se entregan con total devoción a la creación de una música. Aquí, en The King of Limbs, en cambio, se deja entrever una dedicación increíble en la elaboración de sonidos y colores que, inexplicablemente, son lanzados por la borda para que se pierda todo bajo la voz y protagonismo del omnipresente Yorke. Bueno, tal vez, perdidos del todo no lo están, pero por lo menos sí a un lejano segundo plano.

Tanto este  último problema como el anterior, hacen que el disco termine siendo un buen disco de canciones con algunos arreglos interesantes, pero que intriga de sobremanera en su inusitada liviandad, teniendo en cuenta la importancia y el trabajo anterior de la banda.

Radiohead – Bloom

Radiohead – Little By Little

Radiohead – Codex

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Este disco, en conclusión, es una estafa, se cree mejor de lo que es y como diría George Harrison en Los Simpsons al ver a los Borbotones tocando arriba de un tejado: Eso ya se ha visto.
Sorry amigos por la onda negativa de mi estresadísima persona, pero ellos tienen la culpa. Puede ser un juicio apresurado a juzgar por el tiempo que lleva en el aire, pero ustedes saben que nosotros tenemos un amigo que se llama John Titor y él me dijo que en el futuro después de escucharlo 37 veces lo voy a seguir encontrando un chanterío descomunal. Ya ya, exagero, no es una cosa así como Lady Gaga tampoco, se entiende, pero es malandro igual. En fin, pese al título de este post, igual escucha el disco en la página oficial para que después lo podamos pelar juntos, jí.

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Sé perfectamente bien que Julian es amigo de toda nuestra generación. Sé que si voy a algún carrete, va a sonar algo de él. Y sé muy bien que si digo algo malo de su nuevo disco, todos me van a querer matar o van a decir que no sé de música. Pero lo siento Julian, simplemente no te  entiendo.

The Strokes siempre han hecho música novedosa. Quien diga lo contrario está hilando muy fino, ni Television ni Velvet Underground ni Guided By Voices se parecen al sonido de The Strokes. En especial en sus dos primeros discos, que eran novedosos, tenían un sonido pulido y una preocupación por melodías que rompían con los clichés.

En Phrazes For The Young, Julian Casablancas pensó que ya hizo todo lo que podía con guitarras, y se tornó a los teclados y música electrónica. Lo que está bien, es un cambio, no tiene porqué ser malo. Pero realmente lo que hizo Casablancas, no lo entiendo. Está bien cambiar, se agradece y es re loable de parte de un compositor, considerando que podría seguir haciendo cancioncitas a lo The Strokes por siempre y forrarse con más plata de la que siempre ha tenido. Y uno podría creer que hay experimentación en este disco, pero es sólo una farsa.

La canción que abre el disco, Out of the blue, es un buen ejemplo de cómo el disco se fue por un camino fome. La introducción promete sonidos nuevos, como un teclado juguetón, pero esa impresión no dura ni 10 segundos y al final decanta por una canción que podría haber estado perfectamente en el último disco con sus compañeros Strokes. Left & Right in the dark comienza de manera más electrónica y es una de las mejores canciones del disco, aunque todavía se parece a The Strokes, pero más playero. 4 Chords of the Apocalypse la escribió con sus compañeros de banda, y suena como un blues desgastado con un solo de guitarra a lo Brian May sin mucho sentido. Los primeros segundos de Ludlow St. son sacados del Low de David Bowie, y después es una canción media country. En realidad, todas las canciones del disco suenan como algo que escuchaste mil veces antes, y la única novedad que agrega Casablancas está en los arreglos.

Hay baladas, canciones pop y canciones caladas que probablemente serán singles, pero son canciones muy convencionales, si uno escuchara la mezcla en bruto, son sólo los arreglos los que, superficialmente, le dan un aire novedoso. A veces se sustenta mucho en los “soniditos” pero no hay nada de fondo que lo sustente. Es como si tomara cualquier canción de The Strokes y le pone encima arreglos electronicos, baterías a lo Timbaland y cosas como sacadas del último de Yeah Yeah Yeahs.  Y eso es lo malo, si lo mejor de mi amigo personal Julian es su originalidad.

El disco es aburrido, no hay ninguna propuesta, y a pesar de durar 40 minutos, todas las canciones bordean los cinco minutos, cuando se podrían haber resuelto en menos que eso.  Igual hay canciones buenas, como Out of the blue, Left & Right… y Glass. Son canciones que decantaron por un camino más original que el resto. Así que para no quedarnos tanto con lo malo, las ponemos a continuación.

Glass

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Left & Right in the dark

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Los veteranos rockeros de Sonic Youth lanzan su nuevo disco, pero no es exactamente lo mejor que han hecho. ¿Están muy cansados, viejos, o simplemente se aburrieron? A continuación, una crítica y unas canciones, para que te hagas una idea.

Debo reconocer que hace harto tiempo que he estado pateando este review. Simplemente no lo quería hacer, cada vez que pensaba en él me daba una paja enooorme (no tan grande).  “¿Es que acaso es un mal disco, maestro?”, se preguntarán mis jóvenes padawans. No es así, hay algunas canciones muy buenas, pero definitivamente está bastante alejado de lo mejor de Sonic Youth.

A mi modo de ver, para hablar de éste disco hay que ver cómo fue Rather Ripped. En su penúltima placa, Sonic Youth simplificó su maquinaria en pos de la melodía, y el resultado fue uno de los sonidos más frescos del año, con canciones llenas de melodías tan potentes y desgarradoras como cualquier “desastre y caos sonoro” que realiza SY. En The Eternal, la banda simplifica su sonido también, pero en menor medida y en pos de la repeteción. Las canciones parecen desgastadas y como tocadas sin ganas, con contadas excepciones a lo largo del disco.

Ok, lo admito, lo que pasa es que odié con toda mi alma algunas canciones. Leaky Lifeboat tiene el coro más hinchapelotas de la década. (¿¿¿¿la la la la la????), Anti-orgasm es tan aburrida y media “blusera” en su contrucción que hace que me den ganas de golpear mi cabeza contra una pared, ojalá con un clavo salido. La melodía es tan… ¡vaga! ¿De verdad no se les pudo ocurrir otra cosa que cantar a Kim Gordon y a Thurston Moore? ¿Esa es la mejor guitarra con que pudieron haber salido?

Pero también tiene buenos momentos. La canción que abre el disco, Sacred Trickster (que ya la mostramos en vivo) es una buena pieza de potencia a la Sonic Youth. Antenna es una canción calmada, pero con un coro bien pensando.

Se siente un disco más por cumplir que por tener buenas ideas que plasmar. Creo que les dio la misma paja hacer The Eternal que a mi escribir sobre él.

Sacred Trickster

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Leaky Lifeboat (la hincha pelotas)

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Antenna

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Bajo el lema de “festival cultural urbano”, se realizó ésta feria el pasado sábado. Fue gratis, pero eso no nos impidió que como buenos invitados, saliéramos pelando.

La publicidad es todo poderosa. A veces es tan sutil que no nos damos cuenta de que estamos siendo invadidos por un mensaje, y otras veces hasta lo agradecemos. Así fue el Santiago Rockin’Arts, un evento organizado por la marca de zapatillas Converse en un intento de verse como una marca “cool” y buena onda. Y allá ellos, así es la publicidad, no voy a intentar cambiar el mundo, menos a través de un sitio web.

No quiero ser 100% roto, así que partiré agradeciendo la iniciativa, fue mejor que una tarde de sábado normal (pegado frente al monitor viendo pornografía compulsivamente, por si se lo preguntaban). Además es bueno que existan cosas que cambien un poco el ambiente aburrido de esta ciudad tan re fome.

Ahora lo malo. Aparte del obvio, grotesco y torpe placement,  el ánimo general era bastante “urbano”. ¿Qué mierda significa urbano? La RAE o otro diccionario menos gay, diría algo como “referente a la urbe”. Pues bien, en la ciudad pasa absolutamente de todo, ¿por qué una marca de zapatillas pensaría que urbano es graffittis, skaters y unos giles jugando básquetbol (street basket, según Converse)? También había espacio para las artes, con una sobrepoblada galería llena de cuadros “choros”, típico arte de rapero que pasa más tiempo admirando a Banksy que a Rembrandt o El Greco (no es que lo clásico sea mejor, sólo quiero decir que desprecian lo antiguo en pos de lo nuevo y eso se nota en su obra, porque carece de mucho peso). O sea, eran más que nada la evolución de dibujitos en un cuaderno que una intención real de comunicar algo al espectador. Era más “oh qué loco soy yo y mi obra”. De todas formas habían un par de cuadros rescatables, que tomaban en cuenta a quién viera la obra. Todo el arte era creación del colectivo Madhaus, que realmente no sorprende. Sus creaciones, que sea las de la muestra, eran totalmente predecibles. “Ah, andas en skate y hace graffittis? Sé exactamente lo que pintas” dialogó mi cerebro internamente.  Sus pinturas estaban repletas de iconos visuales a estas alturas clásicos de cualquier graffiti en Santiago. Así que, bleh.

Después de ese interludio cultural (estoy mandando un currículum al Arte y Letras con este link), debo decir que la tónica de la tarde fue la misma. Pura “cultura callejera urbana perro zorrón”. O sea, la idea de un rapero abc1 de arte.  Más tarde tocó Los Ex (no llegué a The Ganjas) y con un sonido re malo, pero esforzado, hicieron reventar el rancio galpón. La verdad nunca había visto a Los Ex en vivo, y estaban llenos de energía, aunque las letras fueran o increíblemente ingenuas o derechamente idiotas. Además que Colombina Parra era detestable, se compró el cuento de rockstar del mapocho valley y botaba el pedestal en cada canción, y un sacrificado roadie tenía que ir a buscarlo, sólo para que la muy desconsiderada lo botara de nuevo. La mina era perra con el pobre tipo, y entre medio de algunas canciones, con una voz rasposa y shuper loca, decía “ay, ¿pero porqué las rejas, separan a nosotros de ustedes o al revés?” ¡Grande Colombina! ¡Te ganaste el premio Rock Lais Pasado A Caca de la noche! Igual subió a una fan a cantar, lo que es bastante loable.

Pero el peor premio se lo lleva el local en sí. El local del pretencioso nombre “Industrial Cultural” es nada menos que un galpón. ¡Cha chaaaaan! Un sucio y fome pedazo de cemento con techos de latón. Una vulcanización y nada más. Además, es más fácil llegar a Valpo que a la esquina de Balmaceda con Cueto; no pasa ninguna micro por Balmaceda, ni tampoco por Cueto. Lo mejor (lo averigué después eso sí) era tomar una micro en Cal y Canto que te deja a unas cuadras del lugar. No está cercano a nada, y yo pensé que al ser una ex fabrica que procesaba sal, podría tener cosas entetenidas, como maquinarias o una montaña de sal. O por último un salero pintado en la entrada. O ya en extremo último recurso, que repartieran galletas saladas. Pero no.

De todas formas no era taaaaan malo, faltó cervezas quizás. Medianamente borracho hubiera sido medianamente entrentenido. Quizás debí haberme quedado en casa con mi porno.

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¿Brian Wilson rapeando? lamentablemente sí. No sé que mierda le pasa a todo el mundo con el rap que quieren hacer uno ellos mismos, aunque el resultado sea un moco salado meclado con con mugre del ombligo.

Brian Wilson, compositor principal de los Beach Boys, debe ser uno de los músicos viejetes más importantes y que más influenció la escena independiente hasta nuestros días. Se le agradece una cantidad de increíbles composiciones que inspiraron a una cantidad inconmensurable de artistas. De seguro está a la altura de los pesos pesados como The Beatles, Jimmy Hendrix, Bod Dylan, Pablito Ruiz, etc.
Pero llego la tragedia…la tragedia que vivieron casi todos los músicos de los sesentas y los setentas…LLEGARON LOS OCHENTAS Y LOS NOVENTAS Y LOS TIPOS NO ENTENDIERON NI UN CARAJO! Pero querían estar a la moda y no perder al público joven, como los políticos que se ponen un jockey hacia atrás y anteojos oscuros para ganarse el voto pokemón-flogger. Entonces empezaron a hacer música a la moda “hey, hagamos algo así como esos tipos que le gustan a la gente, algo como  Milli Vanilli o MC Hammer”

Y Brian Wilson entonces, compuso pésima música en los ochentas, y en los noventa continuó haciendo música como el orto. De todo este periodo, lo único que debo rescatar es “Kokomo” que es una canción espectacular, je (ese solo de saxo es un hito paradigmático, una maravilla de proporciones bíblicas).
Pero nada, absolutamente nada supera su funesta incursión en el rap…
En 1989, compuso la canción “Smart Girls” para el disco “Sweet Insanity”. Este disco iba a ser lanzado en 1991, pero finalmente no se editó. Creo que fue dios que tuvo misericordia y quiso salvaguardar la imagen pública de este pobre hombre. Pero el mundo es como una gran ama de casa aburrida, así que todo se termina sabiendo. Igual, el rumor es sabroso, je je,  no se escucha todos los días al amigo de “Pet Sounds” rapeando!

Bueno aquí va, “Smart Girls”, por Brian Wilson:

[Clip de audio: ve el post completo para escuchar]

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La segunda entrega de éstos músicos en forma de dúo, publicada el 30 de marzo del reciente año, viene con 13 años de diferencia respecto de su trabajo anterior. Aquí, la obligada brontorevisión.

Yo en verdad no tengo idea de qué es lo que esta de moda, qué es lo que está siendo valorado o qué es lo que se pide o exige a los músicos pop hoy en dÌa (¿pedir? ¿exigir? que ideas tan raras…). Hay bandas, de las que no vamos a hablar jamás en esta revista a menos de que sea estrictamente necesario, que están de moda o que traen los sonidos nuevos, que sencillamente no me mueven un pelo. Y me refiero a gente aclamada por Pitchforkmedia y tantos otros referentes de la palabra-ley en la música “Indie”. Pero traen “lo nuevo”, el don mesiánico en el mundillo de la “vanguardia”.
En Pitchfork, por ejemplo, a este disco del dúo le dan un 6,2, en una escala de uno a diez (¿que rayos es eso de ponerle nota a los discos? bah…), y en el mismo sitio, el nuevo disco de TV On The Radio, una banda, entiendase, novedosa, tiene una calificación de 9.2.

Bueno, en “A Woman A Man Walked By”, existe una mezcolanza bastante extraña. Está la PJ Harvey que todos conocemos, la PJ Harvey del “White Shalk”, el Jon Parish que todos conocemos, pero también, ciertos aspectos no tocados por ambos músicos en el pasado, cosas que quizás hemos visto en otros grupos, pero no en ellos. Cuando pasan estas cosas, puede resultar cualquier cosa. En este caso, el resultado es bastante extraño, aunque muy interesante. A medida que pasan los temas, de pronto no diferencio cuando la música del álbum transita en el pop cualquiera, con otra de sus infinitas caras (algún sonido medio loco por ahí), pero con el mismo fundamento, la médula del asunto, y bruscamente, pero de forma imperceptible (pareciera una contradicción, ¡pero no! ¡Así funcionan las mejores cosas en esta vida!), pasamos a tierra de nadie. Y es que, bueno, se trata de gente talentosa que más o menos sabe lo que hace.
Pero lo que cierto es que es un disco de “canciones”, así tal cual, como suena. Nada muy fuera de lo común, pensará alguno. Pero es básicamente eso: canciones, así, tal cual, con estrofas, coros, puentes y esas cosas… pero canciones notables, eso sí.”Passionless, Pointless”, o “The Chair” por ejemplo, son dos piezas increíbles, maravillosas.

Ahora, “lo nuevo”, no radica en el “qué” sino en el “para qué”. Un ejemplo: voy a hacer un sonido único que jamás nadie ha escuchado, una motosierra mezclada con una garza. Es probable de que nadie lo haya hecho antes, pero nadie ha hecho esa cosa en particular, mas la idea, es ya muy añeja. Como en la pintura, si te traigo un cuadro de manchas, quizás son únicas, pero la idea ya está hace rato. En el fondo lo que importa es esa cosa en su presente, qué esta haciendo, para qué está siendo utilizada.

Y digo, este disco tiene cosas nuevas. No abundan, pero las hay. A primera vista, podríamos pensar en que radican en la exploración de timbres o en la mezcla de pasajes raros, como en la canción que le da el título al disco, o en “Pig Will Not”, pero no creo que estén allí (porque además no es algo así como que ¡uy, que nuevo!), más bien están en cómo usan lo que usan y para qué lo usan. Y no es que sea algo de otro mundo, pero tiene mucho sentido.

En conclusión, es un buen disco. No sá si el mejor, si el más extraordinario de estos músicos, pero eso no tiene ninguna relevancia. ¿Y viene a salvar el mundo y a la música de su constante estado de incertidumbre, como un gatito abandonado en la calle que necesita de un amo bondadoso que lo alimente y le de refugio, o es el nuevo Jesús rockero que nos trae la novedad para nuestras aburridas vidas? No. Esas cosas las tiene que solucionar uno mismo, digo, ¡resuelve tus problemas solo, indie de mierda!

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